Recomendación literaria: "Historias curiosas de la música: así como suena", Lawrence Lindt

Nuevos hallazgos, inventos, ocurrencias, sucesos y genialidades que impulsaron los grandes hitos de la innovación musical. Esta obra es una apasionante recopilación de anécdotas y chistes sobre los grandes compositores y sus obras, los intérpretes y los directores de orquesta. Después del éxito de Así como suena, el autor n os vuelve a ofrecer, de una forma amena y chispeante, la otra cara de la música. En sus páginas el lector descubrirá: historias descaradas sobre la intimidad de grandes compositores y sus disparatadas ocurrencias públicas; altercados y disputas entre los intérpretes durante los ensayos; la amistad, la admiración, la envidia y la rivalidad entre los grandes maestros; y toda clase de rarezas y peculiaridades sobre instrumentos y obras musicales.

Personas con hiperlaxitud ligamentaria ¿son especialmente aptas para actividades como la danza o la música?

Muchas personas que buscan desarrollar una carrera en la danza tienen flexibilidad articular inherente, que puede ser una gran ventana en esta profesión. Sin embargo, la hiperlaxitud ligamentaria sintomática (SHL), combinada con las demandas físicas extremas de la danza, puede poner a los bailarines en riesgo de inestabilidad y lesiones. Es necesario conocer esta causa de síntomas músculo-esqueléticos generalizados, común y frecuentemente pasada por alto, para beneficio de los bailarines, y de los médicos y bailarines profesionales que los asisten e instruyen. 

Independientemente de la patofisiología subyacente involucrada en el SHL, la mecánica de la laxitud capsular, ligamentaria y tendinosa durante el entrenamiento y la actuación en la danza pueden resultar en la inestabilidad articular, en técnicas con malos movimientos o con compensaciones, y en una mayor vulnerabilidad a las lesiones. Las articulaciones afectadas por la hiperlaxitud parecen no tener la protección neuromuscular que tienen las articulaciones "normales". Mientras que en general los bailarines tienen menos sensibilidad a los estiramientos, quienes tienen SHL son aún menos sensibles a los signos de los "estiramientos dolorosos" o de los "sobre estiramientos".

Cómo hacer de la ansiedad al tocar una ventaja en vez de un problema

A menudo nos hacen creer que estar “nervioso” es malo. De hecho, la mayoría de consejos que he escuchado están dirigidos a reducir la ansiedad. En todos estos años hice de todo para deshacerme de las sensaciones desagradables asociadas con la ansiedad al tocar. Ensayé comiendo bananas, tomando té de manzanilla, imaginándome el público en ropa interior, privándome de sueño, practicando más, tomando varios suplementos e incluso tratando de convencerme a mismo que no importaba cómo tocaba. Nada de esto, por supuesto, hizo desaparecer la ansiedad o me ayudó a mejorar mi manera de tocar. 

De acuerdo con mi experiencia al trabajar con el psicólogo deportivo Dr. Don Greene cuando era estudiante de posgrado en Julliard y de mi propia experiencia como estudiante de doctorado en psicología de la interpretación musical, llegué a la conclusión de que la ansiedad misma no es el problema. El problema es que la mayoría de nosotros nunca aprendió a usar la adrenalina a nuestro favor. Al decirle a nuestros estudiantes o a nosotros mismo “solo relájate”, en realidad estamos haciendo un mal al confirmar implícitamente que la ansiedad que sentimos es mala y que le debemos temer. Aprendí a acoger la sensación de adrenalina y a usar esa energía para impulsar mis recitales y para tocar con más libertad, más convicción y más confianza de la que jamás pensé. 

La gran pregunta, por supuesto, es ¿cómo convertir la ansiedad de un problema a una ventaja? Antes de hablar sobre esto, necesitamos entender primero qué pasa cuando nuestra mente está bajo situaciones de estrés. 

Documental: Celebrando a Haydn

Exquisitas anécdotas y sucesos de la vida de este magnífico compositor austriaco Franz Joseph Haydn son narradas con elegancia y fino humor por Peter Ustinov.

Los conocimientos musicales perduran aunque se sufran problemas de memoria

Científicos alemanes han hecho pruebas en un violonchelista de 68 años amnésico y han deducido que la memoria musical se almacena en el hipocampo

Científicos de la Charité de Berlín pueden haber demostrado que la memoria musical en el cerebro se almacena y se organiza de forma independiente a otros tipos de memoria. El hallazgo podría hacer posible su uso en la rehabilitación de pacientes con trastornos de la memoria según publica la revista «Current Biology»

El estudio llamado «Preservación de la memoria musical en un violonchelista profesional con amnesia» y estuvo liderado por el profesor Christoph Ploner, director del departamento de Neurología del campus de Virchow.

Ploner junto con su equipo examinó y sometió a pruebas a un violonchelista profesional de 68 años que sufrió una encefalitis causada por un herpes, informa la nota de prensa publicada en la página de la universidad alemana. Como consecuencia de esta inflamación, el paciente empezó a presentar perturbaciones severas en la memoriaya que sufrió lesiones del lóbulo temporal derecho, en grandes porciones del lóbulo temporal izquierdo y parte de la corteza izquierda frontal e insular.

La enfermedad afectó su memoria para el pasado (amnesia retrógrada) como también su capacidad para adquirir nueva información (amnesia anterógrada). En el estudio identifican al músico como PM, y señalan que durante su carrera formó parte de grandes orquestas alemanas e interpretó un amplio repertorio musical que abarcaba rangos musicales, desde el estilo barroco al contemporáneo, hasta que en 2005 sufrió la encefalitis.

El subconsciente en la música

Dentro de nosotros existe una poderosa computadora, el subconsciente, que controla todos nuestros procesos biológicos, el ritmo cardíaco, la respiración, el caminar, el conducir un auto, los actos reflejos o instintivos... Si su subconsciente deja de trabajar, inmediatamente su familia tendrá que buscar los servicios funerarios. 

Esa gran computadora interna es fabulosa para la música. Hay personas que sin tener ningún estudio de música toman un instrumento y con gran facilidad comienzan a tocarlo. En cambio otras personas con profundos estudios musicales, encuentran gran dificultad para interpretar la música. Tienen todos los conceptos, reglas, definiciones en la cabeza, en la mente consciente, pero su subconsciente no aflora al tocar su instrumento. Son musicólogos pero no son músicos. 

Hay muchos músicos “de oído” que llegan a tocar en un alto nivel como profesionales, sin haber estudiado música. Lo logran gracias al afloramiento espontáneo del subconsciente. Cuando una persona de estas toca el piano, va buscando los sonidos correctos y los acomoda de acuerdo al ritmo que siente y los acompaña con los acordes que va descubriendo. Ellos suponen que las canciones están en el teclado y su trabajo consiste en extraerlas de las teclas. Dicen estar “sacando” una canción en vez de aprendiéndola. Ellos tienen el privilegio de conectar su mente consciente con el subconsciente de un modo natural y espontáneo cuando entran en contacto con un instrumento musical. Agustín Lara, sin haber estudiado música pues tocaba de oído, y sin conocer España, compuso unas de las mejores canciones Españolas: Granada, Valencia, Toledo, Madrid, Silverio, Españolerías, Arruza, Clavel Sevillano….

La música se juzga por lo que no se oye

Las personas pueden identificar con precisión a los ganadores de una competencia de música clásica basándose sólo en video sin sonido, según demostró un estudio.

Incluso músicos profesionales no pudieron reconocer a los ganadores sólo con el sonido.

Los hallazgos, publicados en la revista Proceedings de la Academia Nacional de Ciencias de Estados Unidos (PNAS), sugieren que la visión es en verdad el sentido más dominante.Esto desafía la idea de que el sonido es el factor más importante a tener en cuenta cuando se juzga la música.

La investigación concluye que el mejor indicador de una interpretación musical ganadora es la pasión que muestra el músico, seguido de cerca por su originalidad y creatividad.

Chia-Jung Tsay, del University College de Londres (UCL), es autora del estudio y concertista de piano.

La investigadora estaba interesada en la forma en que se juzga la música y vio que incluso los músicos profesionales no eran conscientes de cuánto más estaban usando la información visual que la sonora.

"Me di cuenta de que dependiendo de si se juzgaba en base a grabaciones de audio o de video podía haber resultados muy diferentes. Esto me llevó a preguntarme sobre cuánta información visual impacta realmente en estas importantes decisiones".

Chico Hamilton, batería de jazz y catalizador de talentos

Hace apenas 2 meses, el mundo del jazz despedía al cellista Fred Katz. Su nombre se asoció en las correspondientes necrológicas al de su introductor en el mundo del jazz: el baterista y compositor Foreststorn(sic) Chico Hamilton, que, se añadía, seguía “milagrosamente vivo y en activo a sus 92 años”. Hamilton (Los Ángeles, 1921) falleció el pasado 25 de noviembre en Nueva York.

A lo largo de 70 años, Chico Hamilton hizo de todo: tocó con los más grandes músicos de jazz de la historia —Count Basie, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Duke Ellington o Lionel Hampton— y lideró sus propios conjuntos; escribió música para cine y televisión; enseñó los secretos del jazz en la New School University… su discografía como líder supera los 60 álbumes. En buena medida, el legado de Chico Hamilton se define por quienes tocaron en sus conjuntos; el fenecido jazzman fue un consumado catalizador de talentos de la más diversa especie, un coleccionista de personajes difícilmente clasificables; el primero de ellos, el propio Fred Katz. Con él, y con Jim Hall, a la guitarra; Buddy Collette, a los vientos; y Carson Smith, al contrabajo, creó su primer grupo sin piano de éxito, que permaneció varios meses en el Stroller’s Club de Long Beach, no obstante la heterodoxia sutil de su propuesta musical o, precisamente, por ello mismo. Hamilton fue asociado al naciente Jazz West Coast de Gerry Mulligan y Chet Baker. Algo en lo que nunca estuvo de acuerdo: “El Jazz West Coast fue apenas una treta publicitaria. Ahora ya no me ofende que se me asocie al asunto. Lo que importa es lo que yo siento, y yo siento que toco con el mismo swing y la misma energía en Nueva York que en California”.

Cortázar músico

Rafael Alberti se enorgullecía de haber nacido con el cine. Julio Cortázarnació solo tres años antes de que se grabara el primer disco de jazz, y se aficionó para siempre a esa música en una adolescencia que coincidió con su primera edad de oro, a finales de los años veinte, con las grabaciones legendarias de los Hot Five y los Hot Seven de Louis Armstrong y el éxito en el Cotton Club de Harlem y en las transmisiones de radio de la orquesta de Duke Ellington. Debía de ser extraordinario asomarse por primera vez al mundo y a la rebeldía personal al mismo tiempo que casi todo estaba inventándose: el cine sonoro, la radio, los discos de 78 revoluciones por minuto, el lenguaje plenamente sofisticado del jazz, en las dos direcciones que ya mantendría para siempre, la de los solos heroicos a la manera de Louis Armstrong y las complejidades orquestales de Ellington, el apego a la herencia afroamericana y el tirón de la música europea; todo mezclado, desde luego, porque Ellington tenía tan presentes los blues y los negro spirituals como el ejemplo de Debussy o Ravel, y porque Armstrong, en apariencia más próximo a lo africano originario, se había criado en una ciudad tan llena de aires musicales europeos y hasta hispánicos como Nueva Orleans, y reconocía que una inspiración para aquellos solos suyos tan largos que antes de él no intentó nadie habían sido las arias de la ópera italiana, con sus hazañas de resistencia pulmonar y sus agudos de funambulismo.

En Buenos Aires, en la radio familiar, el adolescente Julio Cortázar buscaba las raras emisiones de discos de jazz, para irritación y escándalo de sus padres, aficionados a la música clásica y al tango.

Ice music: instrumentos musicales hechos de hielo

Terje es un artista e instrumentista noruego educado en jazz y percusión. Durante su inusual carrera se ha dedicado a crear instrumentos musicales a partir de materiales como piedra, madera y huesos; pero sus instrumentos más interesantes son los que ha creado usando hielo.

Bloques de hielo extraídos de ríos y lagos han dado lugar a guitarras, arpas, trompetas, xilófonos y muchísimos instrumentos más, todos esculpidos a mano con la ayuda de motosierras y navajas. Obviamente esto representa una enorme labor, según comenta Terje, a veces se tiene que experimentar con decenas de bloques de hielo antes de que el instrumento cuente con las características sonoras que él está buscando.

Sólo para hacer las cosas un poco más complicadas, el punto más obvio: los instrumentos creados con hielo únicamente se pueden utilizar una vez, ya que con el paso de las horas pues, se derriten. Esto también implica que al ser creaciones únicas y efímeras, Terje no puede practicar con ellos previamente, siempre que esculpe un nuevo instrumento es la primera y última vez que lo utiliza. Además, mientras el hielo se derrite, la resonancia y afinación del instrumento varían, digamos que el instrumento cambia su sonido minuto a minuto. Por estas razones la música de Terje es completamente orgánica y basada en la improvisación.

Recomendación literaria: Los clásicos también pecan: la vida íntima de los grandes músicos; de Fernando Argenta

El popular periodista y divulgador musical Fernando Argenta nos invita a entrar en la intimidad de
los grandes genios de la música. Desde el rigor y el humor, conoceremos cómo vivían, cuáles eran sus fuentes de inspiración, sus manías, sus escarceos sentimentales o las causas que los apasionaban. Un auténtico —y muy diverti do— redescubrimiento de figuras míticas como Mozart, Bach, Vivaldi, Debussy, Puccini, Wagner o Falla, entre otras muchas

El joven que compone conciertos para piano y tableta

Conrad Tao es un neoyorquino de 19 años que trata de desafiar los límites de la música clásica combinando tradición y tecnología.

Sus experimentos incluyen composiciones para piano y la tableta iPad y representaciones teatrales con un piano de juguete de color rosa.

Aunque acaba de cumplir 19 años, Tao tiene una carrera que muchos músicos de avanzada edad sueñan con tener.

Comenzó a tocar canciones infantiles en el piano con sólo 18 meses de edad. Dio su primer recital a los cuatro años y tiene en su haber varios premios, incluyendo el Avery Fisher Career Grant, el Gilmore Young Artist Award y ocho premios Ascap Morton Gould Young Composer consecutivos.

Además es creador del festival Unplay, donde se unen el mundo clásico y el digital.

Para él, la música clásica necesita más que un esfuerzo de marketing para atraer a un público más joven. Debe "confrontar la realidad contemporánea", dice.
BBC

´Los jóvenes deberían tener tantas clases de música como de mates´

chris kase - Trompetista y compositor de jazz

La vida del estadounidense Chris Kase (New Brunswick, 1964) siempre giró alrededor de la música. Nació en una familia apasionada por la música y desde los nueve años decidió que su vida sería a ritmo de jazz. Mañana hará un hueco en su agenda profesional para ofrecer un concierto dentro del ciclo Lentejazz, en la taberna O Rincón de Cangas a las 12.00 horas, en formato cuarteto y junto a Paco Charlín, Iago Fernández y Abe Rábade.

-¿Hay diferencias notables entre el panorama musical estadounidense y español?

- España no es tan diferente a Estados Unidos, pero sí más pequeño. Llegué aquí hace 16 años y estoy trabajando desde el segundo día. Cuando vine había profesionales dentro del mundo del jazz, pero en los últimos años hay más oportunidades para músicos jóvenes y se ve gente con un nivel impresionante.

- ¿Sería correcto decir que el jazz está en continuo crecimiento?

Muere a los 68 años Fernando Argenta, presentador de 'El Conciertazo'

El divulgador de música clásica, hijo del prestigioso director de orquesta Ataúlfo Argenta, ha fallecido a causa de un cáncer.

El divulgador musical Fernando Martín de Argenta Pallarés ha fallecido hoy a los 68 años. Nacido en Madrid en 1945, fue reador, director y presentador de Clásicos populares, en Radio Nacional y El conciertazo, en Televisión Española. Argenta, cuarto de cinco hermanos, fue el único hijo varón del director de orquesta Ataulfo Martín de Argenta, fallecido en enero de 1958, y de la pianista Juanita Pallarés.

Cursó la carrera de Derecho en la Universidad Complutense de Madrid, gracias a una beca que le concedió la orquesta Suisse Romande. Además, poseía estudios de grado superior de Música de piano y armonía, realizados en el Real Conservatorio de Madrid, pero los dejó a falta de los dos cursos de composición.

Fernando Argenta perteneció en los años sesenta al grupo de rock Miky y los Tonys, en que el tocó la guitarra, y, posteriormente, comenzó a dirigir orquestas, en un principio para escolares y a partir de noviembre 1981 para público adulto. En 1971 entró a formar parte de la plantilla de Radio Nacional de España, donde realizó múltiples programas, entre los que destacan: Circuito nocturno, Nocturno español, Madrugada y Para los jóvenes.

Pero fue con Clásicos populares, cuyas emisiones inició el 13 de abril de 1976, con el que consiguió gran relevancia por el lenguaje cercano y ameno que utilizaba para divulgar la música clásica. Argenta compartió micrófono con Beatriz Pecker, José Manuel Rodríguez Rodri y Araceli González Campa, desde abril de 1984 hasta su prejubilación en febrero de 2008.

En noviembre de 1986 fue nombrado director de Radio-3 de Radio Nacional de España, cargo que desempeñó durante dos años. Y en octubre de 1988 se hizo cargo de la dirección de Radio-1, de la misma emisora, donde solo se mantuvo unos meses y en el que le sustituyó Alicia Fernández, en febrero de 1989. Más tarde, regresó a la dirección y presentación de Clásicos populares, espació que tenía registrado.

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Landfill Harmonic: música entre basura

Landfill Harmonic es un documental que nos narra la historia de una peculiar orquesta paraguaya
integrada por niños y adolescentes: La Orquesta de los Reciclados.

Este grupo de niños vive en un barrio de escasos recursos, Cateura, Paraguay, construido sobre un vertedero que funciona como la principal fuente de ingresos para sus habitantes, quienes recolectan y reciclan la basura depositada ahí.

A partir de esta situación de pobreza y contaminación comenzó la idea de realizar el documental, ya que la orquesta usa instrumentos musicales creados enteramente de basura reciclada, bajo la tutela del Director de Orquesta Favio Chávez.

Puedes seguir a Landfill Harmonic a través de su página web  o a través de su página en facebook

La dura convivencia con un músico en cada finca

Vicente Ivorra, Jaime de Castro y
 Meritxell Lanau

Más de 50.000 músicos de la Comunitat Valenciana utilizan sus viviendas como local de ensayo para practicar con su instrumento - La insonorización de las habitaciones, el diálogo con los vecinos y un horario de «sentido común» facilitan el entendimiento entre las partes.

Para ganarse el aplauso sincero del público, los músicos dedican incontables horas a la perfección de su técnica. Un esfuerzo invisible que requiere de la coincidencia de dos factores: la constancia del estudiante aplicado y la paciencia infinita de sus vecinos. En la Comunitat Valenciana, donde más de 50.000 músicos ensayan cada día entre las paredes de sus casas, los contenciosos con el vecindario son el pan de cada día, sobre todo en las grandes ciudades, donde los poderes de Santa Cecilia, patrona del gremio, parece que se diluyen.

Cuándo empezar con la música

Los beneficios y virtudes de la educación musical es algo que afortunadamente tiene asumido la mayoría de la sociedad. Sin embargo, no está tan claro el cuándo comenzar con la iniciación musical infantil.

En artículos anteriores hemos visto cómo los beneficios de la música se pueden recibir desde edades muy tempranas, incluso, desde el embarazo. Autores como A. Tomatis o D. Campbell, nos demuestran cómo a edades más tempranas, la música ejerce mejor todo su poder, nos hablan de su valor terapéutico, pedagógico y afectivo entre otros.

Para que un niño se inicie con la música le basta tener un entorno favorable, es decir, ver, escuchar, cantar y tocar en su vida cotidiana. Algo tan obvio como esto es aconsejable tenerlo en cuenta, pues a veces confundimos calidad y mejora educativa con actividades académicas añadidas que en este caso y en edades tan tempranas, podrían no ser tan beneficiosas (recordemos que un bebé aprende a través de sus referentes más cercanos y esa es su familia).

Un bebé de 0 a 3 años recibe información musical y la asimila asociándola a vivencias y actividades motrices fundamentales en su desarrollo. Tocará, bailará y cantará disfrutando con ello, creando así una base que le ayude a seguir disfrutando de ella.

¿Sonará mañana la música de hoy?

Cuando Stravinski estrenó en 1913 La Consagración de la Primavera en el Teatro de los Campos Elíseos parisino, estuvo cerca del linchamiento en el segundo acto. Algo parecido le sucedió a Arnold Schönberg en Viena nueve meses antes en el famoso Concierto del escándalo. Más allá de la histórica ruptura musical que lideraron, ambos sucesos hablan de la atención que recibía el estreno de un joven compositor (Stravinski tenía entonces 30 años) en los círculos musicales y sociales de la época. 100 años después, fuera de algún carraspeo o de la mera indiferencia, cuesta imaginar un apasionamiento así del patio de butacas ante una nueva creación. La música contemporánea, y gran parte de la del siglo XX, sufre un progresivo arrinconamiento en auditorios y teatros. Especialmente en países como España, donde la crisis económica ha socavado la confianza de unos programadores atemorizados por la caída de público.

Las nuevas élites culturales e intelectuales, más cómodas hoy en otros espacios de relación social, han abandonado progresivamente la música como elemento de distinción.

Absuelta la pianista que el fiscal quería encarcelar por molestar a una vecina

El Ministerio Público rebajó su petición de 7 años a 20 meses de prisión por delitos de contaminación acústica y lesiones psíquicas

La Audiencia de Girona ha absuelto a la pianista de Puigcerdà Laia M., que se enfrentaba a una pena de 20 meses de prisión que pidió la Fiscalía por los delitos contra el medio ambiente por contaminación acústica y un supuesto delito de lesiones psíquicas.

Laia M. fue denunciada por una vecina porque le molestaba el sonido constante del piano, y pidió la baja laboral por lesiones psíquicas como ansiedad, alteraciones del sueño y episodios de pánico.

La Fiscalía consideró que la pianista e intérprete que entonces tenía 26 años --y que cursaba estudios oficiales de música-- tocaba el instrumento en 2003 en su domicilio cinco días por semana, de 9.00 a 13.00 y de 14.00 a 18.00 horas, sin que la sala donde ensayaba estuviera insonorizada. El Ministerio Públicopidió inicialmente una pena de 7 años y medio de cárcel, que rebajó durante el juicio a 20 meses.
Publico.es

Por qué la música nos hace sentir bien

La música libera sustancias químicas en el cerebro que son responsables de hacernos sentir bien, dice una investigación.

El estudio, publicado en Nature Neuroscience, descubrió que los compuestos químicos se liberan en el momento en que sentimos más placer escuchando la música que nos gusta.

Según los científicos de la Universidad de McGill en Montreal, Canadá, ésta es la primera vez que se comprueba que este compuesto químico, llamado dopamina, está vinculado a la música.

Se sabe que la dopamina se incrementa en respuesta a otros estímulos o actividades de recompensa como la comida, las relaciones sexuales u obtener dinero.

Esta sustancia también produce un estado de bienestar con ciertos estímulos tangibles, como estar enamorado.

En el nuevo estudio, se encontró que los niveles de dopamina eran hasta 9% más altos cuando los voluntarios estaban escuchando música que les agradaba.

Los investigadores afirman que este resultado es significativo porque comprueba que los humanos obtenemos placer de la música, una recompensa abstracta, que es comparable con el placer que se obtiene de estímulos biológicos más básicos.

La doctora Vicky Williamson, psicóloga musical del Goldsmiths College de la Universidad de Londres, recibió positivamente la investigación.

Según la experta, hasta ahora los estudios no han respondido porqué la música es tan importante para el ser humano, a pesar de que han comprobado que es un hecho.

"El estudio demuestra que la música está vinculada con nuestros sistemas de recompensa más profundos", explica la doctora Williamson.

Joaquín Achúcarro: “El piano es amigo, enemigo y traidor”

No estudiar menos de cuatro horas -"a ser posible seis"-, natación, bici, clases en su cátedra de la Southern Methodist University de Dallas y conciertos por buena parte del mundo, mantienen a Joaquín Achúcarro activo con 81 años, y más de 50 de carrera junto al piano. Dedica esta semana un concierto a Beethoven en Madrid: "Sí, al jodido sordo". Pero lo dice con todos sus respetos.

Pregunta.Visto con distancia, ¿cometió errores de juventud?

Respuesta. ¿Estupideces? Pues sí, como por ejemplo que me ofrecieran tocar Noches en los jardines de España, de Falla, con una gran orquesta y decir que no para que no me tomaran por el típico pianista de repertorio español. Luego las he hecho 180 veces, textual, aunque Emma, mi mujer cree que es poco… O rechazar un contrato con Philips para grabar Saint Saëns... Me aburriría.

Confesiones íntimas de Stravinski

Durante 21 años el escritor y director de orquesta Robert Craft estuvo como una lapa pegado al lado del compositor y pianista Ígor Stravinski: en su casa de Hollywood, en un apartamento cercano o en la habitación contigua de un hotel neoyorquino. Allí, siempre, preguntó y cogió dictado. Así nació Memorias y comentarios. Ígor Stravinski y Robert Craft,una obra que originalmente se publicó, desde 1958, en Estados Unidos y Reino Unido en varios tomos. Ahora Acantilado edita, en un solo volumen y por primera vez en España, todas esas confesiones que recorren los tres grandes periodos del compositor: Rusia, Europa y Estados Unidos.

El autor, en el prólogo a esta edición, defiende que estas conversaciones informales con Stravinski son los únicos textos publicados realmente suyos, al contrario de obras de encargo como laPoética musical (también en castellano editada por Acantilado) yCrónicas de mi vida, “en el sentido de ser fieles a la esencia de sus pensamientos”. La edición española cuenta con traducción de Carme Font Paz y con unos extensos pliegos de ilustraciones procedentes de la colección privada de la familia Stravinski.

Craft (Kingston, Nueva York, 1923) fue amigo durante lustros de Stravinski (Oranienbaum, Rusia, 1882-Nueva York, 1971). De aquellas charlas larguísimas primero se publicaron seis libros en Estados Unidos entre 1958 y 1969, y a la vez, cinco en Reino Unido ente 1958 y 1972: estos últimos son la base del presente compendio. Es verdad que el fraseo del compositor es único, una vez Craft lo regla a una lengua inglesa potable. Su agudeza, el velocísimo vector de su criterio (“Escuchar supone un esfuerzo, pero limitarse a oír no tiene mérito. Un pato también oye”), ya sitúa este volumen en una posición privilegiada de lectura, dando la sensación de que

El sueño musical de Da Vinci se hace realidad… 500 años más tarde

Parece un piano de cola común y corriente, pero emite algo parecido a un concierto de cuerdas con violines y violoncellos. Es la viola organista, un instrumento ideado por Leonardo da Vinci hace más de 500 años que resonó por primera vez hace un mes ante un público, en la Academia de Música de Cracovia.

Combina "características de tres instrumentos que conocemos: el clavecín, el órgano y la viola da gamba", dijo a la agencia AFP Slawomir Zubrzycki, el pianista y compositor polaco que construyó la viola organista a partir de los bocetos de Da Vinci.

Según la Biblioteca Nacional de España, del diseño original de Da Vinci solo "se conservan unos treinta dibujos parciales sin tener un diseño completo" y se cree que él nunca lo construyó.

Si bien otros aventureros habían intentado fabricar la viola organista, esta es la primera vez que se logra la réplica y que se toca frente a una audiencia. 

El Sistema de Orquestas y Coro de Abreu y Dudamel echa raíces en Francia

El Sistema de Orquestas y Coros Infantiles y Juveniles, que ha formado en Venezuela a cientos de miles de músicos y talentos internacionales como el director de orquesta Gustavo Dudamel, ha comenzado a echar raíces en Francia.

Lo impulsan Jean-Gabriel Mahéo y Pascale Macheret, cofundadores de la asociación El Sistema France, con la que intentan adaptar a este país europeo la estrategia promovida entre los niños más desfavorecidos de Venezuela por el músico, compositor, economista y político José Antonio Abreu, desde mediados de los años 70.

Trabajan convencidos como él de que la música puede ser la gran riqueza y “la mejor prevención contra todo lo que puede degradar la vida de un niño”, explica Mahéo en una entrevista con Efe.

El mismo Sistema que este verano conmovió al público del Festival de Salzburgo, actualmente en expansión en unos cuarenta países

Documental Man Jazz, Abi Lewis

Conocido como 'El hombre del jazz "en todo el noreste de Inglaterra y más allá, el difunto Keith Crombie era un personaje excéntrico que dirigía el legendario café de jazz en Newcastle upon Tyne desde hace 23 años. Visitas (y actuaciones improvisadas) de Wynton Marsalis y Harry Connick Jr. agregó a las historias sobre el lugar. Ahora ahijada y cineasta de Keith, Abi Lewis está en la etapa final de la creación de un documental sobre el hombre, su amada café de jazz y las personas que les encantó.

¿Piano solo para mano izquierda?

En los últimos dos siglos, los compositores han tenido a veces que atender distintas necesidades. Por ejemplo, ¿qué pasa con los pianistas que no pueden usar la mano derecha?

Ya a finales del siglo XIX, la gran pianista Klara Schumann-Wieck, (viuda de Robert Schumann, el apellido Wieck era el suyo de soltera), tuvo un pequeño problema con la mano derecha que le impidió usarla durante algunos meses. Entonces, le encargó a Brahms para que escribiera algo para mano izquierda sola. Lo que hizo el hamburgués fue transcribir la chacona de la “Partita en Re menor” de Bach. Varios años después, Ferruccio Busoni escribió otra versión, entonces sí, para las dos manos.

Más cerca de nuestros días, un pianista llamado Paul Wittgenstein que había perdido el brazo derecho luchando en la Primera Guerra Mundial, encargó a distintos compositores obras para mano izquierda de piano, de las cuales la más conocida es el “Concierto para la mano izquierda” de Ravel.

XIII Concurso internacional de piano "José Roca"

El Conservatorio Municipal de Música "José Iturbi" de Valencia está llevando a cabo el XIII Concurso internacional de piano "José Roca", durante estos días 17 y 18 de noviembre, cuya final se celebrará el jueves 21 a las 19:00 en la sala Iturbi del Palau de la Música.

Vivaldi, escándalos lesbicos y otras curiosidades

Realmente se llamaba Antonio Lucio Vivaldi, y fue en la ciudad de Venecia donde nació aunque no se tiene certeza de la fecha exacta del nacimiento, pero se cree que fue el 4 de marzo de 1678.

A Antonio Vivaldi se le conoce con el sobrenombre de il Prete Rosso (El Cura Rojo) debido a que era pelirrojo y cura de la iglesia.

Vivaldi sufrió de asma. Muchas veces tuvo que abandonar cuando oficiaba misa debido a sus frecuentes ataques.

De hecho en 1737 lo acusan de que es un sacerdote que nunca da misa a lo que Vivaldi responde lo siguiente en una carta dirigida a Bentivoglio:

“No he dicho misa por espacio de 25 años y no tengo intención de volver a hacerlo, no por causa de prohibición u ordenanza alguna, sino por mi propia voluntad, a causa de una enfermedad que he sufrido desde la infancia y que todavía me atormenta. Después de haber sido ordenado sacerdote, dije misa durante un año, pero posteriormente decidí no volver a decirla por haber tenido en tres ocasiones que abandonar el altar antes de concluir el sacrificio a causa de mi enfermedad. Por esta razón vivo casi siempre en interiores y nunca salgo si no es en góndola o carruaje, ya que no puedo caminar sin sentir dolor y opresión en el pecho.

Los músicos alertan de “la muerte lenta” de la orquesta del Palau de les Arts

Son malos tiempos para la lírica y para la orquesta que la interpreta en Valencia. Más componentes de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, titular del Palau de les Arts, se sumaron este martes al coro de voces que alertan sobre el futuro incierto de la prestigiosa formación. Los músicos justifican su voto en contra del acuerdo sobre el Expediente de Regulación de Empleo (ERE) en el teatro de la ópera valenciano porque es “una apuesta por la muerte lenta de la orquesta a largo plazo”. La orquesta se ha granjeado un gran prestigio desde que arrancó en 2006. La crítica especializada la sitúa entre los mejores conjuntos, si no el mejor, de España. 

Una valenciana entra en la prestigiosa escuela Menuhin

La joven valenciana de 16 años Lorena Cantó es la primera viola española de la historia que ha ingresado en la escuela Yehudi Menuhin de Londres, donde los próximos tres años concluirá su formación de bachiller y se preparará para ingresar en el conservatorio de música del mundo que desee.

Su padre, Santiago Cantó, viola solista de la Orquesta de Valencia, ha relatado a EFE que su hija, que se ha criado en el seno de una familia con padres, tíos y abuelos músicos, "ha querido ser músico desde siempre" y llevaba varios años buscando y contactando con escuelas en las que poder estudiar a partir de los 18 años.

Tras una llamada de la escuela Menuhin para informarle de que había un hueco, Lorena y su padre viajaron a Londres, donde la joven realizó el examen de acceso "del más alto nivel" durante tres días, en los que convivió con los alumnos y profesores de la escuela.

"En la entrevista final nos dijeron que era muy difícil que entrara como viola porque necesitaban una pianista y le preguntaron si estaría dispuesta a cambiar toda su técnica, algo a lo que ella está acostumbrada", ha comentado Cantó, quien ha añadido que la misma noche de su regreso, tenían un correo con su admisión.

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Los peligros de tocar el piano

Arranca en Girona el juicio contra una estudiante de música para la que se piden siete años y medio de cárcel por contaminación acústica | Laia ya es concertista, pero si es condenada no podrá tocar el piano durante años

Todos los aspirantes a músico profesional tienen presente que algún día los pueden abuchear durante un concierto. Pero lo que seguro que no imaginan es que les pueden pedir siete años y medio por practicar mucho y alto. Esto es lo que le ha ocurrido a Laia Martín, que hoy se sentará en el banquillo de los acusados de la Audiencia de Girona para responder por contaminación acústica y lesiones psíquicas causadas a su vecina.

Documental sobre la música peruana: "Sigo siendo. Kachkaniraqmi".

Entrevista con el director de cine Javier Corcuera. 

La música popular del Perú oculto es el paisaje de la última película del realizador Javier Corcuera. Coincidiendo con el próximo estreno en Madrid de 'Sigo siendo. Kachkaniraqmi' entrevistamos a este director peruano.

El 12 de noviembre se estrena en Madrid la última película de Javier Corcuera (Lima, 1967) Sigo siendo. Kachkaniraqmi. Un documental sobre la música peruana que ha generado opinión en Perú desde el mundo de la música a la política, desde la sociología y la antropología a alusiones en el fútbol, manteniéndose en cartelera durante diez semanas. La película ha puesto sobre la mesa no solo una increíble riqueza musical, sino el interrogante de qué significa en este momentos “existir”, “seguir siendo”. DIAGONAL conversa con el director.

¿Qué significa el título de la película?

Sigo siendo es la traducción o una de las traducciones de Kachkaniraqmi, un saludo en quechua chanca. Cuando dos personas se encuentran después de mucho tiempo se saludan así. Quiere decir “sigo siendo” o “aún estoy”, “todavía soy”. Como además, en quechua no existe ni plural ni singular, también es: “aún somos todos”, “todavía, seguimos siendo”.

Técnicas de 3D de Hollywood para revelar secretos musicales

Las manos y muñecas del pianista están cubiertas con decenas de puntos reflectantes. Está siendo filmado con un sistema similar al usado en los estudios de animación de Hollywood.

Pero está muy lejos de California, en una universidad del sur inglés, y lo que busca no es fama y
fortuna, sino ayudar a revelar secretos musicales.

Se trata del profesor David Owen Norrys, del departamento de música de la Universidad de Southampton, quien está participando en un estudio de la doctora Cheryl Metcalf que utiliza una técnica que ella misma creo: cinemática de la mano y la muñeca (Hawk, por sus siglas en inglés).

La idea es mapear los movimientos de cientos de músicos e introducirlos en un banco de información para poder analizarlos y entender las variaciones en técnica, estilo y hábitos

Aquellas clases de música para niños ¡sí sirvieron para algo!

Quizás usted fue uno de los tantos niños que alguna vez, voluntariamente o por el deseo de sus padres de tener un Beethoven o un Mozart en la familia, asistió religiosamente a las clases de flauta dulce, piano, timbales, violín o percusión, aun sabiendo que había nacido sin la menor capacidad de distinguir un "re" de un "do", una corchea de una semicorchea.

Sepa usted que aquellas clases no fueron en vano y que hoy, aunque su mayor contacto con la música sea prender la radio, puede estar beneficiándose de aquellos años de horas eternas con la profesora de música y de breves pero dolorosas notas desafinadas.

Sepa que, según un estudio publicado en el Journal of Neuroscience, los niños que asistieron a clases de música se aseguran un mejor sistema auditivo como adultos.

Los autores de la investigación encontraron que los niños que tocaron un instrumento, aunque no haya sido durante toda su infancia, han desarrollado respuestas cerebrales a sonidos complejos.

Por ejemplo, si usted tiene la capacidad de seguir sin problemas una conversación en un ambiente muy ruidoso, sin perder el hilo de lo hablado ni permitiendo que nada lo distraiga, quizás se lo deba a aquella flauta dulce, cuya relación con sus dedos y su soplido fue más bien amarga.

Entrevista a Alfred Brendel y recomendación literaria de su libro "De la A a la Z de un pianista"

- A los 82 años, Alfred Brendel, pianista y escritor austriaco, visita España

- Presenta el libro ‘De la A a la Z del pianista’ y charla con sus seguidores.

- En esta entrevista exclusiva, en el AVE Barcelona-Madrid, ofrece su visión de la música... y la vida

Podría decirse que Alfred Brendel (Weisenberg, Moravia, 1931), una de las grandes leyendas del piano, vive liberado tras abandonar los escenarios en 2008. Escribe, pasea, ve películas, lee dos periódicos al día y hasta se olvida del tiempo. El que regía su música. Y el de los relojes. La entrevista era a las 11.00 en Barcelona, donde presentó el lunes su nuevo libro, De la A a la Z de un pianista (Acantilado), un exquisito diccionario con sus impresiones sobre la música. Pero no apareció. En lugar de someterse a las preguntas de una de las escasísimas entrevistas que concede, se va a visitar el  MNAC, templo del románico que tanto le apasiona. Al cabo de una hora y media llega aparentemente compungido. “Lo siento muchísimo, créame. Véngase conmigo en el tren y lo resolvemos”.

Dos horas después, aparece en la estación de Sants acompañado de su editor, Jaume Vallcorba, que le despide camino a Madrid, donde hoy ofrecerá una conferencia sobre el sentido del humor en la música (19.30 Auditorio Nacional). Ya en su asiento, se coloca un audífono y pide sentarse a la derecha para poder escuchar con la claridad que le ha robado la vida a su oído derecho.

Por Daniel Verdú, seguir leyendo en cultura.elpais.com

Afinar un piano provoca cambios en el cerebro

Afinar un piano también armoniza el cerebro, revelaron investigadores que notaron cambios estructurales en el cerebro de los afinadores de pianos profesionales.

Investigadores del University College de Londres y de la Universidad de Newcastle hallaron que escuchar dos notas tocadas al mismo tiempo hace que el cerebro se adapte.

Sundeep Teki, uno de los científicos que participaron en la investigación, explicó a BBC Mundo que con este estudio se demostró que la cantidad de tejido (materia gris) en el hipocampo se relaciona directamente con los años de experiencia de los afinadores.Los escáneres cerebrales mostraron cambios muy específicos en el hipocampo, que regula la memoria y la navegación. Y, estos cambios, están relacionados con el número de años que los afinadores han estado haciendo ese trabajo.

"Un afinador de pianos que ha pasado 50 años haciéndolo tiene más tejido en el hipocampo, comparado con un novato que tiene, por ejemplo, sólo dos años de experiencia. Esto implica que el hipocampo es crucial en la transformación de la información relacionada con el proceso de afinación en la memoria a largo plazo", dijo Teki.

Suiza incorpora la formación musical en su constitución

El diario La Côte informó que un 72.7% de suizos, cerca de 1.55 millones de personas, estuvo de acuerdo en colocar a la música y el canto como parte de su Constitución.

De este modo, estas áreas serán más valoradas en la educación y recreación, a través de la incorporación de un artículo sobre el tema en la Carta Magna.

El texto establecerá que la Confederación y los cantones suizos, entes políticos y administrativos sobre los que se constituye el estado nacional, fomentarán la formación musical, centrándose en los niños y los jóvenes.

La idea es facilitar el acceso a las escuelas de música y fomentar el talento musical.

Los cantones ahora deberán definir el nivel nacional de las habilidades que deben alcanzar los estudiantes en la industria musical, como ya se tiene para los idiomas o matemáticas.

Los Directores Cantonales de Educación aseguraron que la armonización de los objetivos de la educación estarán listos para el 2014.

Publicado por MusicaAntigua.

Grandes compositores: Johan Sebastian Bach

Cuando preguntaron al biólogo Louis Thomas ¿Qué escogería él como mensaje de la humanidad a las civilizaciones del espacio exterior?, contestó: Yo enviaría las obras completas de Bach,...pero eso sería un alarde. Así introduce el magnífico programa desaparecido hace décadas "Grandes Compositores" la biografía de Bach.

Recomendación literaria: "101 juegos musicales. Divertirse y aprender con ritmos y canciones", Storms, Ger

A partir de 4 años. No se necesitan instrumentos especiales. 

Los juegos que aquí se presentan ayudan a desarrollar las habilidades personales y sociales, así como la creatividad. Además, se ofrecen juegos no competitivos, que estimulan y premian la participación, sin que haya ganadores o perdedores. La estructura presenta dos partes diferenciadas: una informativa donde se explica en qué consisten los juegos musicales, por qué, para qué y cómo utilizarlos, y una parte práctica donde se ofrecen más de 100 juegos de música y sonido que desarrollan capacidades diferentes (juegos para la confianza, juegos de oído, de concentración, de expresión e improvisación), que pueden utilizarse, de manera flexible y creativa, con participantes de diferentes edades. 

CONTENIDO: 

Concierto a tres pianos, Tropos Ensemble y Josep M. Colom

Sábado 02 Noviembre 2013. 19:30 Palau de la Música, sala Rodrigo.

Tropos ensemble & Josep M. Colom realizarán un concierto a tres pianos organizado por Musikeon.

Consigue las entradas anticipadas por 10 euros en: Entradas.com (www.entradas.com, 902 488 488 -teatro-, 902 22 14 24 -otros eventos- y oficinas Bankia, Caja Navarra, Ibercaja, Grupo Rural y otras entidades asociadas).

Concierto de piano de Francisco Fierro en favor de la investigación de enfermedades raras

Domingo 27 Octubre 2013. 19:30, Palau de la música, sala Iturbi.

Mamen García, popular y maravillosa actriz, cantante, pianista y compositora valenciana, cuya amabilidad también ha hecho posible este concierto solidario y que hará de Maestra de Ceremonias

Concierto solidario de piano de Francisco Fierro y del Quinteto de Jazz del Conservatorio Superior de Valencia. Los fondos irán destinados a la investigación del CIBERER sobre la enfermedad ultrarrara Síndrome de Lowe y otras enfermedades raras.

Las enfermedades raras, que afectan a unos 3 millones de españoles, son un problema sociosanitario de primera magnitud. El Centro de Investigación Biomédica en Red de Enfermedades Raras (CIBERER), estructura en red con dirección científica en Valencia constituida como una iniciativa del Instituto de Salud Carlos III, agrupa y potencia la investigación de excelencia que se realiza en nuestro país con el objetivo de encontrar diagnósticos y terapias para los afectados con la mayor rapidez posible. 

La educación musical entre dos siglos: del modelo metodológico a los nuevos paradigmas

"En el mundo actual han variado las necesidades, pero al mismo tiempo se ha modificado el registro individual de las mismas. A los múltiples cambios en el campo de la comunicación, se han agregado nuevas pautas en el sistema de valores, en la utilización del tiempo libre y en la relación con los objetos del medio ambiente, incluidos los artísticos y la función que éstos cumplen. 

La música y las artes requieren para su transmisión metodologías flexibles, sensibilizadoras, personalizadas y de carácter artesanal. Sin embargo, el modelo neoliberal exige que la educación sea eficaz, es decir, rápida, expeditiva, de resultados concretos y evaluables cuantitativamente. No es raro que en la actualidad cuenten con la mayor adhesión ciertos argumentos pseudo-científicos que contribuyen a reafirmar el poder que la música posee para despertar y estimular los procesos cognoscitivos. Entre ellos, el conocido como el “efecto Mozart” (título de una publicación homónima), fórmula comercialmente afortunada de un educador musical norteamericano que proclama las extraordinarias virtudes de la música del genio de Salzburgo para desarrollar las capacidades intelectuales generales en los niños."

Violeta Hemsy de Gainza.

Ver información completa en Universidad de San Andrés de Argentina

La música: cerebros modificados

Actualmente la música es una industria próspera en la que continuamente surgen nuevas estrellas, ritmos y que genera grandes ganancias a las compañías dedicadas a promover y estimular esta actividad. Sin embargo la música no es un fenómeno nuevo, ha estado con la humanidad desde sus inicios. Disfrutar y crear música es una capacidad común e inherente a los seres humanos. La música forma parte del día a día en los miembros de muchas culturas, desde que se nace hasta que se muere. La música tiene la capacidad de hacernos evocar el pasado, despertar emociones e intensificar las experiencias sociales, y no se requiere ser experto para experimentar sus efectos y beneficios. Sin embargo los mecanismos y procesos mentales relacionados con estos efectos no son conocidos. Entender como una señal mecánica, el sonido, genera una señal eléctrica neuronal que finalmente se traduzca en emociones, sentimientos, movimientos, no es claro. Sin embargo, en recientes años el avance de las neurociencias, en especial en el campo de imágenes funcionales como la resonancia nuclear magnética, la magneto-encefalografía, la tomografía por emisión de positrones, han permitido hacer algunos hallazgos que pueden ayudar a entender como la música afecta la función y la estructura cerebral.

Resonancia mostrando areas cerebrales activadas con la música

Grandes músicos cubanos: "Buena Vista Social Club"

En los años 40 fue “la edad de verdadera vida musical en Cuba, donde no había mucho dinero para ganar, pero tocaban porque realmente lo querían” como explicó el músico Rubén González. Ahí se vio nacer el mambo, influenciado por el jazz, además de otros estilos de música y baile.

50 años después, el guitarrista americano Ry Cooder, se propone reunir a todos aquellos que fueron parte del éxito del Buena Vista Social Club para realizar un CD y presentaciones internacionales que fueron grabadas por el alemán Wim Wender para después convertirse en el documental con el mismo nombre, nominado a un Oscar en 1999. Un verdader joya de nostalgía por los buenos tiempos y la buena música en Cuba antes de la Revolución.

Recomendación literaria: "La improvisación musical" Violeta Hemsy de Gainza

“No concibo una educación musical y mucho menos una iniciación musical sin libre expresión. ¿Por qué tendría que ser la música diferente a otras artes, a otros lenguajes? ¿No aprende el niño a hablar para poder expresarse y pedir lo que quiere? ¿No aprende a caminar y a moverse para trasladarse a voluntad por el espacio? ¿No le damos lápices de colores para que se entretenga dibujando, garabateando, inventando formas? ¿No le ponemos a su alcance arcilla o plastilina para que modele lo que se le ocurra? ¿No lo estimulamos acaso para que se comunique con sus amigos y les escriba cuando se va de vacaciones?

Si solamente le enseñáramos a recitar o a transcribir de memoria poesías, relatos, obras literarias, no podría desarrollarse y ni siquiera entender el significado de lo que está diciendo. Si solamente lo preparáramos técnicamente para copiar con fidelidad y cuidado dibujos, pinturas y esculturas famosas desvirtuaríamos el sentido de su infancia y con ello partes esenciales de su vida futura. ¿Por qué olvidar entonces que la música también le pertenece y que con ella puede jugar, decir, enviar “cartas” y mensajes personales?

Improvisar en música es lo más próximo al hablar en lenguaje común. Un estudiante adelantado que pasa varias horas al día practicando piezas y ejercicios en su instrumento debería también, por lo menos, ser capaz de expresar ideas musicales de un nivel de dificultad equivalente a las conversaciones simples que improvisa cotidianamente cuando se encuentra de pronto con un amigo.”…

Estudio de la Universidad Autónoma de Madrid: "Música y matemáticas"

La relación entre música y matemáticas posiblemente tenga su raíz en el propio órgano que nos permite crear ambas: el cerebro.

Hoy día es posible saber qué partes del cerebro están en funcionamiento cuando un sujeto está realizando una actividad determinada. Aplicando estas técnicas, los investigadores han visto que los músicos expertos y los matemáticos expertos usan los mismos circuitos cerebrales, lo cual no siempre es cierto para los aficionados.

Esto tiene su lógica: los humanos utilizamos, por lo general, el hemisferio cerebral izquierdo para tareas verbales y analíticas, mientras que utilizamos el hemisferio derecho para tareas espaciales y visuales. Es decir, que el primero se encarga del análisis y la fragmentación y el derecho de la síntesis y la unidad.

Este trabajo sobre la relación entre las matemáticas y la música pretende sacar a la luz lo íntimamente que están relacionadas ambas materias.

Recomendación literaria: Colección La Mota de Polvo de Agruarte. Peer Gynt para i-pad.

Primer título de la colección de cuentos musicales "La mota de polvo" en castellano para ipad, en el cual podrás seguir y escuchar las aventuras y desventuras de su personaje a través de la lectura las ilustraciones y la narración. También podrás convertirte en el narrador del cuento. El cuento está ambientado musicalmente con las suites nº1 y nº2 de Edvard Grieg, grabadas exclusivamente para el cuento con orquesta sinfónica.

El solfeo espabila a los alumnos

Una tesis doctoral constata que los jóvenes que estudian música adelantan en competencias al resto de compañeros.

Tesis. En plena "cruzada" de la federación de bandas para que la música entre en la nueva ley educativa como asignatura de pleno derecho, una tesis refrenda que la enseñanza musical despierta la inteligencia de los jóvenes.

Detrás de un buen expediente académico se esconde, muchas veces, un ensayo nocturno con la banda del pueblo o las clases de solfeo en la escuela de música. Una tesis doctoral reciente demuestra que los alumnos que compaginan sus estudios con la enseñanza de la música obtienen mejores resultados académicos. La investigación -realizada por la catalana Maria Andreu, avalada por la Universitat Autònoma de Barcelona y divulgada por la Federación de Sociedades Musicales de la Comunitat Valenciana en su afán por la inclusión de la asignatura de Música en los colegios- constata que el 90,9 % de los alumnos de sexto de Primaria que estudian en centros que integran la música logran las ocho competencias educativas básicas, frente al 47,8 % que consiguen los alumnos de los centros ordinarios.

Recomendación literaria: "El maestro invita a un concierto (conciertos para jóvenes)"

Las 15 «lecciones» magistrales que contiene este libro revolucionaron, ya en los años sesenta, los fundamentos de la pedagogía de la música. Por entonces, el prestigioso compositor y director de orquesta Leonard Bernstein (1918-1990) presentaba en televisión sus famosos «Conciertos para jóvenes», y explicaba de una forma amena y didáctica esos conceptos y puntos considerados aburridos o difíciles en la música (el solfeo, el contrapunto, los acordes, qué es un concierto, la música sinfónica, cómo suenan los diferentes instrumentos, etc.). En esta cuidada selección de dichos conciertos advertiremos que, lo más curioso, es que Bernstein, para ofrecer claridad en sus explicaciones, acude no sólo a los propios clásicos sino a la música moderna de los Beatles o al jazz. Desde su publicación en Estados Unidos, este libro se ha convertido en la prueba contundente de que la música no tiene por qué ser sólo para entendidos. El «método Bernstein» se ha venido aplicando desde entonces en los conservatorios de todo el mundo para acabar con esa ingrata enseñanza de la música que tantas veces ha provocado rechazo. Por fin, un maravilloso libro que da la posibilidad de entender la música de nuestros clásicos a cualquier lector, a cualquier edad.